Music Hub › Ratgeber › Theorie und Harmonielehre › Die vier Akkorde der Popsongs: die Akkordfolge I-V-vi-IV

Die Akkordfolge I-V-vi-IV: die Formel in Stufen

In einer Dur-Tonart trägt jede Note der Tonleiter einen Akkord, und diese Akkorde werden nach Stufen nummeriert, von I bis VII, in römischen Ziffern. Die Qualität jedes Akkords ergibt sich direkt aus den Intervallen der Dur-Tonleiter: Die Stufen I, IV und V ergeben Dur-Akkorde, die Stufen ii, iii und vi ergeben Moll-Akkorde, und vii ergibt einen verminderten Akkord. Deshalb werden in der Stufenschreibweise Dur-Stufen großgeschrieben (I, IV, V) und Moll-Stufen kleingeschrieben (ii, iii, vi): Allein die Schreibweise verrät die Farbe des Akkords, ganz ohne zusätzliches Wort.

Vier dieser sieben Stufen tauchen im Popsong ständig auf: die erste (I), die fünfte (V), die sechste (vi) und die vierte (IV), immer in dieser Reihenfolge gespielt und in einer Schleife wiederholt. Genau diese Abfolge nennt man die Akkordfolge I-V-vi-IV, in der englischsprachigen Musiktheorie-Literatur manchmal auch als „Axis progression" bezeichnet. In C-Dur übersetzt sich das Note für Note in I = C, V = G, vi = A-Moll und IV = F, also die Schleife C, G, A-Moll, F, die sich unter einer Strophe genauso endlos wiederholen lässt wie unter einem Refrain, ohne je die Ausgangstonart zu verlassen.

Diese besondere Auswahl von vier Stufen ist nicht willkürlich. I, IV und V sind das, was die Theorie die drei Hauptdreiklänge einer Tonart nennt: Zusammen decken sie, ohne jede Wiederholung, alle sieben Töne der Dur-Tonleiter ab. In C ergeben der I (C, E, G), der IV (F, A, C) und der V (G, B, D) zusammen genau C, D, E, F, G, A und B, die gesamte Tonleiter. Wie im gesamten Music Hub folgt B hier der internationalen Notation und bezeichnet die natürliche Note, dem deutschen H entsprechend. Der vi tritt zu diesem Trio als die Molltonartparallele des I hinzu: Er ist auf der sechsten Stufe aufgebaut und teilt zwei seiner drei Töne mit der Tonika, in unserem Beispiel C und E, weshalb er so nah am I klingt und trotzdem eine andere Farbe mitbringt. Die vier Akkorde der Pop-Schleife sind also nichts anderes als die drei tragenden Säulen der Tonart plus der nächste Moll-Verwandte der ersten von ihnen.

Warum diese Schleife funktioniert: Spannung, Ruhe und Farbe

Jeder der vier Akkorde trägt eine genaue harmonische Rolle. Das I ist das Zuhause, der Tonika-Akkord, auf dem sich das Ohr geborgen fühlt und nichts weiter erwartet. Das V, der Dominant-Akkord, enthält den Leitton der Tonleiter, eine Note einen Halbton unter dem I, die das Ohr auf natürliche Weise zur Auflösung zieht: Es ist das V, das den Sog erzeugt, den Motor, der Lust darauf macht, dass etwas passiert. Das IV, der Subdominant-Akkord, weitet den Klangraum, ohne so viel Spannung wie das V zu erzeugen; die Bewegung von IV zu I, plagale Bewegung genannt, hat einen sanfteren Beigeschmack der Auflösung, fast wie ein Atemzug, bevor es zurück nach Hause geht.

IV und V stehen zudem in einer symmetrischen Beziehung zum I: Das V liegt eine Quinte über der Tonika, das IV eine Quinte darunter, sodass sich die beiden Akkorde beidseitig um das I gruppieren, der eine zieht nach vorn, der andere hält sanft zurück. Diese gespiegelte Position, den Theoretikern als Subdominant-Dominant-Beziehung bekannt, ist einer der Gründe, warum das Trio I-IV-V schon für sich genommen ein so stabiles harmonisches Gerüst in der tonalen Musik überhaupt bildet, noch bevor das vi hinzukommt.

Das vi, die sechste Stufe und der einzige Moll-Akkord der Reihe, bringt die Farbe. In einer Schleife, die sonst komplett Dur und hell bliebe, schiebt dieses Moll einen Hauch Melancholie hinein, dieses kleine bittersüße Ziehen, das die Emotion berührt, ohne den Song je in eine dunkle Tonart kippen zu lassen. Der Übergang von V zu vi trägt in der klassischen Harmonielehre sogar einen eigenen Namen, den Trugschluss: Das Ohr erwartet, dass sich das V zum I auflöst, und stattdessen landet es auf dem vi, einem Nachbarakkord, der zwei Töne mit dem I teilt. Diese kleine Überraschung, gefolgt von der sanften Rückkehr über das IV, macht einen großen Teil dessen aus, was die Schleife zugleich vertraut und packend wirken lässt.

Ein weiterer, unauffälligerer Faktor spielt dieser Akkordfolge ebenfalls in die Hände: Alle vier Akkorde gehören zur selben Dur-Tonleiter, ohne eine einzige Note außerhalb der Tonart. Das Ohr muss sich also nie auf ein neues tonales Zentrum umstellen, anders als bei Progressionen, die Akkorde außerhalb der Ausgangstonleiter heranziehen. Und weil benachbarte Akkorde wie I und IV, oder vi und IV, oft ein oder zwei gemeinsame Töne teilen, verlangt der Wechsel von einem Akkord zum nächsten nur minimale melodische Bewegung: Die Basslinie oder die Innenstimmen gleiten reibungslos von einem Akkord zum nächsten, was zum fließenden Gefühl der Schleife beiträgt, selbst wenn sie innerhalb desselben Songs Dutzende Male wiederholt wird.

Diese Bewegungsökonomie erklärt auch, warum die Schleife die Wiederholung, die ein Popsong mit seinen wiederkehrenden Strophen und Refrains verlangt, so gut verträgt. Eine Progression, die große Sprünge zwischen den Akkorden erfordern würde oder die häufig die Ausgangstonart verließe, würde das Ohr weit schneller ermüden. I-V-vi-IV dagegen schließt seine Schleife immer mit einem Gefühl der Vollständigkeit: Sie drängt mit dem V nach außen, überrascht sanft mit dem vi und kehrt dann Schritt für Schritt über das IV zurück, ein vollständiger Kreislauf, der sich beliebig oft von Neuem beginnen lässt, ohne je den Eindruck zu erwecken, sich nur im Kreis zu drehen.

Ein Stück Geschichte: vom Barock zum Doo-Wop der 1950er Jahre

Die Idee, Tonika, Subdominante und Dominante in einer Schleife aneinanderzureihen, ist keine Erfindung des Pop. Zyklische harmonische Sequenzen dieser Art, aufgebaut über eine Basslinie, die gleichmäßig auf- oder absteigt, gab es bereits in der Barockmusik des 17. Jahrhunderts, in Formen wie der Chaconne oder dem Basso ostinato. Der direkte Vorfahre der Pop-Schleife, die Akkordfolge I-vi-IV-V, bei der die sechste Stufe an zweiter statt an dritter Position steht, findet bereits 1938 mit dem Stück "Heart and Soul" von Hoagy Carmichael und Frank Loesser Eingang in den populären Song, bevor sie in den 1950er Jahren zum Rückgrat des Doo-Wop wird, jenes Vokalgruppen-Stils, der ihr ihren gebräuchlichsten Beinamen gab, die „50er-Jahre-Folge". Hits jener Zeit wie "Earth Angel", "All I Have to Do Is Dream" oder "Stand by Me" gehören zu den Titeln, die Musikwissenschaftler am häufigsten als dokumentierte Beispiele dieser Doo-Wop-Verwandtschaft anführen, ohne dass das bedeutet, sie würden alle exakt dasselbe Akkordraster teilen.

Genau dieses Prinzip der zyklischen Basslinie, eine Handvoll Akkorde, die immer in derselben Reihenfolge wiederkehren, um ein ganzes Stück zu tragen, nutzten schon die Barockkomponisten in der Chaconne und der Passacaglia, zwei Formen, die auf der beharrlichen Wiederholung eines einzigen Bassmusters aufbauen, während die Oberstimmen darüber variieren. Der Doo-Wop der 1950er Jahre erfindet diesen selben Reflex zweieinhalb Jahrhunderte später neu, mit einfacherem Akkordvokabular und Gruppengesang, aber einer sehr ähnlichen Grundlogik: eine Handvoll Akkorde, immer in derselben Reihenfolge, stabil genug, um Dutzende verschiedener Songs zu tragen, ohne das Ohr je zu ermüden.

Die eigentliche Variante I-V-vi-IV, bei der das vi an dritter statt an zweiter Position steht, braucht länger, um sich durchzusetzen, explodiert aber besonders ab den 2000er Jahren. Der amerikanische Musikkritiker Marc Hirsh nannte sie bereits in einem Ende Dezember 2008 veröffentlichten Artikel „unausweichlich", so sehr sättigte sie damals das Radio. Zwei Generationen, getrennt durch ein halbes Jahrhundert, die Doo-Wop-Vokalgruppen der Fifties und das Pop-Radio der 2000er Jahre, konvergierten so, jede auf ihre Weise, zum selben harmonischen Reflex: eine Vier-Akkorde-Schleife, aufgebaut um einen einzigen Moll-Akkord, um die Melodie zu tragen.

Die Beinamen der Schleife: „Axis progression" und „sensible" Folge

Die Akkordfolge I-V-vi-IV trägt mehrere informelle Beinamen in der englischsprachigen Musiktheorie-Literatur. „Axis progression" stammt direkt von dem Comedy-Sketch, der sie berühmt gemacht hat, dem der nächste Abschnitt gewidmet ist. Man nennt sie manchmal auch „pop-punk progression", da sie im Repertoire dieses Genres so häufig auftaucht, wo ihre Einfachheit und Energie perfekt zu schnellen, direkten Songs passt. Dieser Beiname täuscht allerdings, wenn er suggeriert, die Schleife gehöre zu einem einzigen Stil: Man findet sie ebenso oft in der Klavierballade, im Stadionrock oder im Reggae, sehr unterschiedliche Klangwelten, die dennoch dasselbe harmonische Gerüst unter radikal verschiedenen Tempi, Produktionen und Instrumentierungen teilen.

Ihre Variante, die mit dem vi statt mit dem I beginnt, also die Reihenfolge vi-IV-I-V, erhielt einen noch auffälligeren Beinamen: „sensitive female chord progression", die „sensible weibliche Akkordfolge". Der Ausdruck stammt aus einem Artikel des Musikkritikers Marc Hirsh, veröffentlicht im Boston Globe am 31. Dezember 2008. Hirsh berichtete darin, dieselbe Abfolge bereits zehn Jahre zuvor, 1998, entdeckt zu haben, als ihm eine auffällige Ähnlichkeit zwischen zwei Titeln von Singer-Songwriterinnen der Lilith-Fair-Szene der späten 1990er Jahre auffiel. Doch 2008 stellte er fest, dass sich dieselbe Akkordfolge weit über diesen ursprünglichen Kreis hinaus verbreitet hatte und sich in jenem Jahr in Hits von Künstlern und Genres ganz unterschiedlicher Art wiederfand, vom Alternative Rock bis zum Mainstream-Pop. Der Name blieb im Vokabular der Musiker haften, auch wenn die Reihenfolge vi-IV-I-V natürlich nie das Privileg eines einzigen Stils oder eines einzigen Interpretinnen-Typs war.

Der Sketch, der sie zum Kult machte: Axis of Awesome

Dass diese Akkordfolge heute weit über Musikerkreise hinaus bekannt ist, liegt vor allem an einem australischen Comedy-Trio, The Axis of Awesome, aus Sydney, gegründet 2006. Ihr Song "Four Chords", ursprünglich in D-Dur geschrieben und live meist in E-Dur gespielt, erregt erste breite Aufmerksamkeit beim Edinburgh-Fringe-Festival 2008, bei dem die Band auftritt. Nach diesem Auftritt wird der Titel auf BBC Radio 1 gespielt, was ein erstes Publikum dazu bringt, das Video online zu suchen, und die virale Verbreitung schon lange vor der Veröffentlichung des offiziellen Videos in Gang setzt.

Das offizielle Video des Songs, am 20. Juli 2011 auf YouTube veröffentlicht, schafft es anschließend in die britischen Single-Charts, wo es Platz 175 erreicht. Der Sketch reiht rund drei Dutzend Erfolgssongs sehr unterschiedlicher Genres und Jahrzehnte aneinander, alle auf dieselbe Vier-Akkorde-Schleife zurückgeführt, wobei sich von einem Titel zum nächsten nichts als Tempo, Melodie und Text ändert: Genau dieser Kontrast, zwischen der Identität des Akkordrasters und der scheinbaren Vielfalt der Songs, macht den Witz aus. Zu zweit kamen die meistgesehenen Versionen des Videos auf YouTube Anfang der 2020er Jahre zusammen auf über hundert Millionen Aufrufe. Der Sketch hat nichts erfunden, die Schleife kursierte schon seit dem Barock und dem Doo-Wop lange vor ihm, aber er hat aus einer musiktheoretischen Beobachtung einen viralen, vom breiten Publikum verstandenen Witz gemacht und ihr ihren am weitesten verbreiteten Beinamen gegeben, „Axis progression".

Sie in alle Tonarten transponieren

Der Vorteil, die Folge in Stufen statt in festen Noten zu lernen, ist, dass sie sich unverändert in jede beliebige Tonart verschieben lässt. I-V-vi-IV bleibt I-V-vi-IV: Nur die Noten, die diese Stufen tragen, ändern sich je nach Ausgangstonleiter. In G-Dur zum Beispiel wird die Schleife zu G, D, E-Moll, C; in D-Dur wird sie zu D, A, H-Moll, G. Das Muster bleibt exakt dasselbe, du legst es nur höher oder tiefer auf dem Griffbrett oder der Klaviatur an.

Auf der Gitarre lässt ein Kapodaster leichte, offene Griffe beibehalten, während du die tatsächliche Tonart wechselst. Du spielst dieselben bequemen Positionen in der Tonart, die du am besten beherrschst, und der Kapodaster übernimmt es, die Tonhöhe anzuheben, damit sie zu einem Sänger, einer Aufnahme oder einem anderen Instrument passt. Merke dir die Schleife in einer Tonart, die dir vertraut ist, etwa C oder G, und nutze dann den Kapodaster oder ein einfaches Verschieben der Stufen, um sie anderswo wiederzufinden. Du kopierst dabei kein Songraster eines bestimmten Titels: Du wendest eine allgemeine theoretische Formel an, die sich zufällig bei Tausenden verschiedener Titel bewährt, genau wie es die obige Tabelle zeigt.

Diese Logik der Transposition nach Stufen beschränkt sich übrigens nicht auf diese eine Schleife: Einmal verstanden, gilt sie für jede beliebige Akkordfolge, in jedem Stil. Zu erkennen, dass ein Song sich auf sein I, sein V, sein vi und sein IV stützt, statt eine Liste von Noten auswendig zu lernen, die an eine Tonart gebunden ist, ist der Reflex, der es erlaubt, dasselbe Repertoire mit verschiedenen Sängern, verschiedenen Instrumenten oder einfach einer Stimme zu spielen, die von einem Abend zum anderen eine andere Lage bevorzugt.

Die Reihenfolge-Varianten: vi-IV-I-V und I-IV-vi-V

Dieselben vier Akkorde lassen sich in anderen Reihenfolgen neu kombinieren, und jede Vertauschung verschiebt die gehörte Farbe. Mit dem vi zu beginnen ergibt die Variante vi-IV-I-V, oben schon unter dem Namen „sensible" Folge begegnet: Sie beginnt direkt auf dem Moll, was einen dunkleren, von Anfang an intensiveren Einstieg ergibt, bevor das I die erwartete Auflösung liefert. In C-Dur ergibt das A-Moll, F, C, G, statt vom C-Dur auszugehen.

Eine weitere gängige Umstellung ist I-IV-vi-V, also C, F, A-Moll, G in C-Dur. Es sind weiterhin dieselben vier Akkorde, I, IV, V und vi, von denen nur die Reihenfolge des Auftretens geändert wird. Doch nicht jede Vertauschung ist dem Ohr gleich willkommen: Von den vierundzwanzig mathematisch möglichen Reihenfolgen für vier verschiedene Akkorde klingt nur eine Handvoll wirklich natürlich als Schleife, und das sind fast immer diejenigen, die irgendwo im Kreislauf eine Bewegung von V nach I oder von V nach vi bewahren, jenen Moment der Spannung gefolgt von Auflösung, der der ganzen harmonischen Phrase ihren Sinn gibt. Sobald du die vier Positionen in einer bestimmten Tonart beherrschst, wechselst du von einer Variante zur anderen, ohne etwas neu zu lernen, nur indem du den Startpunkt der Schleife änderst.

Diese Flexibilität ist auch ein eigenständiges Kompositionswerkzeug. Viele Songwriter behalten für einen ganzen Song, Strophe wie Refrain, exakt denselben Satz von vier Akkorden bei, ändern aber je nach Abschnitt den Einstiegspunkt der Schleife: Eine Strophe, die mit dem IV oder dem vi beginnt, klingt zurückhaltender, schwebender, während ein Refrain, der wieder mit dem I einsetzt, entschlossener, aufgelöster klingt, obwohl sich die zugrunde liegende Harmonie objektiv um keinen einzigen Akkord verändert hat. Es ist eine ökonomische Art, jedem Abschnitt seine eigene emotionale Farbe zu geben, während dasselbe harmonische Material vom Anfang bis zum Ende des Songs wiederverwendet wird.

Sie von anderen Pop-Progressionen unterscheiden

I-V-vi-IV ist nur eine Art, im Pop Akkorde aneinanderzureihen, und der Vergleich mit ihren Nachbarn hilft zu verstehen, was sie so besonders macht. Die Doo-Wop-Folge der 1950er Jahre, I-vi-IV-V, verwendet exakt dieselben vier Stufen, aber in einer anderen Reihenfolge: Das vi tritt dort bereits an zweiter Position auf, direkt nach dem I, was einen Verlauf ergibt, der sofort ins Moll kippt, bevor er über das IV und das V wieder aufsteigt, mit einem spürbar nostalgischeren, runderen emotionalen Bogen als I-V-vi-IV, das den Wechsel ins Moll erst nach einem Umweg über die Dominante vollzieht.

Am anderen Ende stützt sich der Zwölftaktblues nur auf drei Akkorde, I, IV und V, alle Dur, meist jeweils mit einer Dominantseptime angereichert: Ganz ohne Moll-Akkord bleibt dieses Raster roher, erdiger, ohne den Hauch Melancholie, den das vi in die Pop-Schleife bringt, und seine Bassbewegung, die vor allem zwischen Quart- und Quintsprüngen wechselt, klingt kantiger, von einem Abschnitt zum nächsten wiederholender.

Noch weiter von der Einfachheit des I-V-vi-IV entfernt, führt die ii-V-I-Kadenz, die einen Großteil des Jazz strukturiert, eine zweite Moll-Stufe ein, das ii, das in der Pop-Schleife fehlt, und verkettet ihre drei Akkorde durch aufeinanderfolgende absteigende Quintbewegungen, eine weit ausgefeiltere Quintenzirkel-Progression als das einfache Hin und Her um das I in I-V-vi-IV. Das Ergebnis ist eine spürbar raffiniertere, chromatischere Auflösung, für die Improvisation gemacht, während die Pop-Schleife vor allem darauf zielt, schon beim ersten Hören einprägsam zu sein. Diese Tabelle fasst die wesentlichen Unterschiede zwischen diesen weitverbreiteten Akkordfolgen zusammen.

An echten Songs üben

Am besten verankerst du die Schleife in den Fingern, indem du sie über echte Songs spielst statt ins Leere. Such dir ein Stück, das auf diesen vier Akkorden aufbaut, starte die Aufnahme und drehe die Folge im Takt darüber, bis die Wechsel automatisch kommen. Fang langsam an, ein Akkord pro betontem Schlag, und werde schneller, sobald die Hand ohne Zögern mitkommt.

Um die Schleife mit dem Ohr zu erkennen, ohne das Akkordraster vor Augen zu haben, ist die verlässlichste Spur die Bewegung des Basses in dem Moment, in dem der Moll-Akkord erscheint: Nach einem hellen I und V kündigt ein Abtauchen in eine dunklere Farbe fast immer das vi an, bevor ein offenerer Akkord zurück zur Auflösung zieht. Sich darin zu üben, diesen Umschwung zu erkennen, in Songs, die du noch nicht auswendig kennst, schärft das harmonische Gehör weit wirksamer als das bloße Lesen eines fertigen Akkordrasters.

Im Music Hub geben die Künstlerseiten die Tonart jedes Songs an und ob ein Kapodaster empfohlen wird, sodass du schnell die Titel erkennst, die auf einer Schleife nahe an I-V-vi-IV oder einer ihrer Varianten laufen. Wähl einen in einer Tonart, die du schon kennst, leg die Folge darauf, und reihe Songs aneinander, die dieselbe Stufenfolge teilen. Das ist der schnellste Weg, eine theoretische Formel in ein wirklich spielbares Repertoire zu verwandeln.

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