Music Hub › Ratgeber › Einstieg › Tabulatur oder Akkordschema: was ist der Unterschied?

Was eine Tabulatur ist: Linien, Zahlen und Leserichtung

Eine Tabulatur beruht auf einem sehr einfachen grafischen Prinzip: so viele waagerechte Linien wie das Instrument Saiten hat — sechs für eine Gitarre, vier für einen Standard-Bass oder eine Ukulele, fünf für ein Banjo. Jede Linie steht für eine bestimmte Saite, und laut Konvention entspricht die oberste Linie der höchsten Saite, während die unterste Linie der tiefsten Saite entspricht — diese Reihenfolge spiegelt das wider, was der Musiker sieht, wenn er in Spielhaltung auf sein Griffbrett hinabblickt.

Auf jeder Linie zeigt eine Zahl den Bund, der auf dieser Saite gegriffen werden muss: eine 0 bedeutet eine leere Saite, ohne aufgesetzten Finger gespielt, eine 3 bedeutet den dritten Bund, und so weiter bis zu den höchsten Bünden des Griffbretts. Eine 3 auf der untersten Linie einer Gitarrentabulatur in Standardstimmung bedeutet zum Beispiel „spiele die tiefe E-Saite, dritter Bund" — nicht mehr und nicht weniger. Zu keinem Zeitpunkt sagt diese Zahl „G" oder „C": Der Musiker muss die Stimmung seines Instruments kennen, um daraus den tatsächlich gespielten Ton abzuleiten.

Eine Tabulatur wird von links nach rechts gelesen wie ein Text, wobei jede Zahl in dieser Reihenfolge einer Note oder einer Gruppe von Noten entspricht, die zu einem bestimmten Zeitpunkt des Stücks gespielt wird. Stehen mehrere Zahlen an derselben waagerechten Position übereinander, bedeutet das, dass die betroffenen Saiten gemeinsam erklingen statt nacheinander: Eine gestapelte Spalte von Zahlen wird auf einmal gespielt, genau wie gestapelte Noten auf einer klassischen Notenzeile.

Die Techniksymbole: Hammer-on, Pull-off, Bend, Slide, Vibrato, gedämpfte Note

Über die bloße Zahl hinaus enthält eine Tabulatur fast immer Symbole, die festlegen, wie zwei Noten miteinander verbunden werden, statt jede einzeln mit einem neuen Anschlag am Plektrum oder Finger zu spielen. Diese Symbole unterscheiden sich im Detail leicht von Quelle zu Quelle, aber ein gemeinsamer Kern taucht in fast allen Gitarren- und Basstabulaturen auf.

Diese Symbole sind keine bloße Verzierung: Sie verändern tatsächlich den erzeugten Klang. Eine durch Hammer-on oder Pull-off erzeugte Note klingt gebundener, weicher im Anschlag, als eine sauber mit dem Plektrum angeschlagene Note; ein Bend erlaubt es, eine Zwischentonhöhe oder eine Zieltonhöhe zu erreichen, ohne den Finger je zu einem anderen Bund zu bewegen; eine gedämpfte Note (x) hat nicht einmal eine definierte Tonhöhe, sie dient als rhythmischer, perkussiver Akzent. Eine Tabulatur zu lesen, ohne auf diese Symbole zu achten, bedeutet, jede Note „flach" zu spielen und die genaue Artikulation zu verlieren, die die Transkription eigentlich einfangen wollte.

Weitere Symbole, weniger einheitlich von Quelle zu Quelle, aber ebenso häufig, sobald man über die einfachsten Tabulaturen hinausgeht, ergänzen diesen gemeinsamen Kern. Das Tapping, notiert als t, bezeichnet eine Note, die direkt durch einen Finger der Hand erzeugt wird, die normalerweise das Plektrum hält, statt allein durch die Griffhand: Die Technik erlaubt es, Noten sehr schnell aneinanderzureihen, indem die Arbeit auf beide Hände gleichzeitig verteilt wird. Ein Palm Mute, notiert als P.M. gefolgt von einer gestrichelten Linie über die gesamte Dauer der betroffenen Passage, zeigt an, dass die Handkante der anschlagenden Hand beim Spielen nahe am Steg aufliegt, was die Schwingung der Saiten teilweise dämpft und diesen dumpfen, perkussiven Klang erzeugt, der in rhythmischen Riffs so wiedererkennbar ist. Eine natürliche Flageolett-Note, notiert zwischen zwei spitzen Klammern oder mit der Abkürzung Harm., entsteht, indem eine Saite leicht berührt wird, ohne sie ganz bis zum Griffbrett herunterzudrücken, genau über einem bestimmten Bund — meist dem zwölften, siebten oder fünften —, was einen klaren, glockenartigen Klang erzeugt, ganz anders als eine normal gegriffene Note an derselben Stelle. Schließlich zeigt die Angabe let ring an, dass eine Note oder ein Akkord weiterklingen soll, ohne gedämpft zu werden, auch wenn darüber weitere Noten gespielt werden, und Tremolo Picking, oft mit wiederholten schrägen Schraffuren über der Zahl notiert, verlangt, mit dem Plektrum so schnell wie möglich abwechselnd auf- und abwärts anzuschlagen, auf ein und derselben gehaltenen Note.

Kurze Geschichte der Tabulatur: von der Renaissance-Laute bis ins Internet

Die Tabulatur ist keine Erfindung des Rock oder des Internets: Das Prinzip reicht zurück in die europäische Musik des späten Mittelalters und der Renaissance, lange bevor es die E-Gitarre gab. Der älteste erhaltene Beleg eines Tabulatursystems in Europa ist eine Orgelhandschrift, der Robertsbridge-Codex, heute nach Neudatierung früherer Annahmen auf etwa 1360 datiert; die Notation diversifizierte sich danach im Verlauf des 15. und 16. Jahrhunderts für gezupfte Saiteninstrumente wie die Laute. Die deutsche Lautentabulatur soll auf das 15. Jahrhundert zurückgehen, ihre Erfindung wird traditionell dem blinden Organisten Conrad Paumann zugeschrieben; sie notierte jede Saite und jeden Bund mittels eines dieser Tradition eigenen Systems aus Buchstaben und Zahlen. Zur gleichen Zeit entwickelte sich parallel eine französische Lautentabulatur, die Kleinbuchstaben auf Linien setzt, die die Saiten darstellen, wobei der Buchstabe a die leere Saite bezeichnet und die folgenden Buchstaben die aufeinanderfolgenden Bünde — ein Prinzip, das die moderne Tabulatur sehr direkt vorwegnimmt, bei der eine Zahl den Buchstaben schlicht ersetzt hat.

Das Prinzip überdauert danach die Jahrhunderte fast unverändert in seiner Logik, gerät aber weitgehend in Vergessenheit, sobald sich ab dem 17. Jahrhundert die klassische Notenschrift als gemeinsame Sprache der abendländischen Kunstmusik durchsetzt. Im 20. Jahrhundert taucht es wieder auf, getragen von einem ganz anderen Instrument als der Renaissance-Laute: der E-Gitarre. Die ersten Sammlungen von Rock- und Blues-Gitarrentabulaturen erscheinen um 1970, herausgegeben von kleinen Spezialverlagen, die sich vornehmen, das Spiel einflussreicher Gitarristen Note für Note zu transkribieren, statt sich mit einer vereinfachten Melodielinie zu begnügen. Das Format verbreitet sich dann im Laufe der 1980er-Jahre über Fachmagazine, in denen jede Ausgabe mehrere vollständige Transkriptionen aktueller Songs veröffentlicht, kombiniert aus Notenschrift und Tabulatur.

Die Ankunft des Internets verändert danach die Verbreitungsdimension radikal. Ab den frühen 1990er-Jahren tauschen Musiker Tabulaturen im reinen Textformat auf eigenen Usenet-Foren aus, insbesondere in den Gruppen rec.music.makers.guitar.tablature und alt.guitar.tab, wo jeder seine eigene Transkription eines Songs posten konnte und Anfragen nach weiteren Tabulaturen frei zirkulierten. Da diese Beiträge mangels Speicherplatz auf den Servern nach ein paar Wochen wieder verschwanden, beginnt ein Student der University of Nevada, Las Vegas, James Bender, um 1992, diese Beiträge auf dem FTP-Server seiner Universität unter dem Namen On-Line Guitar Archive zu archivieren, besser bekannt unter dem Kürzel OLGA. Zwei Jahre später, 1994, übernimmt ein Student der Tulane University namens Cathal Woods die Pflege des Archivs und richtet es unter seiner eigenen Domain olga.net neu ein; er bleibt für rund ein Dutzend Jahre dessen Hüter, bis zur endgültigen Schließung der Seite. Die Seite wächst schnell, trotz eines Streits mit einem Musikverlag, der schon 1996 ihre Entfernung von den Servern der Universität selbst erwirkt: 1997 beherbergt OLGA bereits rund 22.000 Dateien, gespiegelt auf mehr als zwanzig Seiten weltweit, und wird zur Referenz für eine ganze Generation autodidaktischer Gitarristen. OLGA muss sich danach im Lauf der 2000er-Jahre mit wiederholten Beschwerden weiterer Verlage und Verwertungsgesellschaften auseinandersetzen, bis es 2006 eine Unterlassungsaufforderung von Organisationen erhält, die Musikverlage vertreten, und dadurch gezwungen wird, die rund 34.000 damals gehosteten Tabulaturen auf einen Schlag zu entfernen, was zur endgültigen Schließung führt. Zur gleichen Zeit, 1998, findet ein Student aus Kaliningrad namens Eugeny Naidenov nicht die Tabulatur, die er für ein Stück sucht, das er spielen möchte, und beschließt, seine eigene zu schreiben und online zu veröffentlichen: Die Seite, die er daraufhin gründet, wird zu Ultimate Guitar, heute eine der größten Tabulatur- und Akkordschema-Datenbanken der Welt, die um die Wende zu den 2010er-Jahren als eine der ersten direkte Lizenzvereinbarungen mit Musikverlagen abschließt, statt weiter in einer rechtlichen Grauzone zu agieren. Diese Geschichte erklärt einen bis heute bestehenden Zug der Tabulatur, wie man sie im Internet findet: Entstanden aus gemeinschaftlichem Austausch unter Amateurmusikern statt aus zentraler redaktioneller Arbeit, bleibt ihre Qualität von Quelle zu Quelle uneinheitlich.

Was ein Akkordschema ist, kurz gefasst

Ein Akkordschema funktioniert umgekehrt zu einer Tabulatur: Es sagt nichts über den auszuführenden Griff und konzentriert sich ganz auf die Harmonie. Es zeigt Akkordsymbole — einen Buchstaben in internationaler Notation, gegebenenfalls gefolgt von einem Zusatz wie m, 7 oder sus4 —, platziert über dem Liedtext oder verteilt auf Felder, die jeweils einen Takt des Songs darstellen. Der Leitfaden zum Lesen eines Akkordschemas erklärt diese Notation ausführlich, Buchstabe für Buchstabe und Zusatz für Zusatz; hier genügt es, sich das Prinzip zu merken: Ein Schema sagt, welcher Akkord zu spielen ist und wann gewechselt wird, nie, wie er gespielt wird.

Dieses bewusste Fehlen von Griffangaben ist genau das, was ein Schema auf jedem harmonischen Instrument einsetzbar macht. Dasselbe Schema lässt sich auf Gitarre, Klavier, Ukulele oder Akkordeon spielen, ohne je umgeschrieben werden zu müssen: Jeder Musiker wählt selbst die Form, die Umkehrung oder das Voicing, das ihm passt, um den verlangten Akkord erklingen zu lassen. Das macht ein Schema auch leicht transponierbar, wie der Leitfaden zum Transponieren eines Songs zeigt: Man verschiebt einfach jeden Akkordnamen um dasselbe Intervall, ohne eine einzige Bundzahl anzurühren, denn es gibt keine zu verschieben.

Es gibt sogar eine Variante des Akkordschemas, die diese Portabilität noch einen Schritt weitertreibt, indem sie Buchstaben durch Zahlen ersetzt: das Nashville Number System, Ende der 1950er-Jahre vom Studiosänger Neal Matthews entwickelt und dann Anfang der 1960er-Jahre vom Studiomusiker Charlie McCoy auf Akkorde und die Rhythmusgruppe erweitert. Das Prinzip besteht darin, jede Tonleiterstufe von 1 bis 7 zu nummerieren, statt Akkorde mit Buchstaben zu benennen: Der auf der Tonika aufgebaute Akkord wird als 1 notiert, der auf der vierten Stufe aufgebaute als 4, und so weiter, mit zusätzlichen Symbolen für einen Mollakkord, eine Septime oder eine Umkehrung. Der praktische Vorteil dieses Systems, das inzwischen von einem großen Teil der nordamerikanischen Studiomusiker übernommen wurde, besonders im Country, liegt darin, dass ein und dasselbe nummerierte Blatt in jeder Tonart gültig bleibt, ohne je umgeschrieben werden zu müssen: Nur die Bezugstonart ändert sich, nie die Zahlen selbst, was es einem Studiomusiker erlaubt, einen Song, den er erst im Studio kennenlernt, zu lesen, ohne bereits zu wissen, in welcher Tonart er am Ende gesungen wird.

Direkter Vergleich: was jede Notation zeigt, was sie weglässt

Nebeneinandergestellt antworten Tabulatur und Akkordschema fast punktgenau aufeinander, jede gibt genau das, was die andere verschweigt. Die Tabulatur zeigt den exakten Griff: welche Saite, welcher Bund, in welcher Reihenfolge, oft mit den Artikulationstechniken, die die Noten miteinander verbinden. Sie erlaubt es, eine Passage Note für Note so nachzuspielen, wie ein bestimmter Musiker sie gespielt hat, einschließlich seiner persönlichen Entscheidungen unter mehreren möglichen Positionen für denselben Ton. Eine klassische Text-Tabulatur gibt dagegen in der Regel keine verlässliche Rhythmusangabe: Nichts in einer Zahlenreihe sagt, ob diese Noten jeweils eine Viertelnote dauern, ob sie als schnelle Achtel aneinandergereiht sind oder ob eine Pause die eine von der nächsten trennt. Manche aufwendigeren Formate, etwa digitale Tabulaturdateien mit synchronisierter Notenzeile, ergänzen diese Information, aber der überwiegende Teil der online zu findenden Text-Tabulaturen kommt vollständig ohne sie aus. Die Tabulatur sagt auch nicht, welcher Akkord gerade erklingt oder warum ein bestimmter Bund statt eines anderswo auf dem Griffbrett gleichwertigen gewählt wurde: Es ist eine Notation der Bewegung, keine Notation der Theorie.

Das Akkordschema zeigt fast genau das Gegenteil. Es gibt die Harmonie und ihre zeitliche Struktur wieder — welcher Akkord, über wie viele Takte, mit welchen Wiederholungen —, was einem Musiker, der die Theorie bereits kennt, genügt, um auf jedem Instrument eine stimmige Begleitung zu improvisieren. Aber es sagt nichts über die Position auf dem Griffbrett, nichts über den zu verwendenden Griff, nichts über die genaue Form, die unter allen für einen bestimmten Akkord existierenden zu greifen wäre. Zwei Gitarristen, die dasselbe Schema lesen, können denselben Akkord an völlig unterschiedlichen Stellen des Griffbretts spielen, mit völlig unterschiedlichen Griffen, ohne je die Harmonie des Songs zu verraten — genau das ist die Stärke des Schemas, macht es aber unmöglich, allein daraus ein bestimmtes Riff oder Solo zu lernen: Diese Information ist schlicht nicht enthalten.

Diese Komplementarität erklärt, warum die beiden Notationen nebeneinander bestehen, ohne sich je wirklich zu ersetzen. Sie beantworten nicht dieselbe Frage: Die Tabulatur beantwortet „wie genau hat dieser Musiker diese Note gespielt", das Schema beantwortet „welche Harmonie trägt diesen Song". Die Harmonie eines Songs aus einer Tabulatur lernen zu wollen, oder ein bestimmtes Solo aus einem Schema nachspielen zu wollen, heißt, von jeder Notation eine Information zu verlangen, für die sie nie gedacht war.

Die Notenschrift, die dritte Notation: exakter Rhythmus und exakte Tonhöhe, um den Preis des Notenlesens

Es gibt eine dritte Notation, älter und universeller als die beiden vorherigen: die Notenschrift in Standardnotation, auf einem fünflinigen Notensystem. Anders als die Tabulatur zeigt eine auf der Notenzeile platzierte Note eine genaue Tonhöhe — C, D, E... — unabhängig vom Instrument und von der gewählten Spielposition; anders als ein Schema trägt jede Note zudem einen exakten Rhythmuswert — ganze Note, Viertelnote, Achtelnote oder Zweiunddreißigstel —, präzise auf einem bestimmten Schlag platziert. Es ist die vollständigste der drei Notationen auf dem Papier: Sie erfasst sowohl die genaue Tonhöhe als auch den genauen Rhythmus, was keine der beiden anderen allein leistet.

Diese Vollständigkeit hat ihren Preis: Eine Notenzeile zu lesen setzt voraus, Noten lesen zu können, das heißt, die Position jeder Note auf den Linien und Zwischenräumen der Notenzeile zu entziffern, Rhythmuswerte und Pausen zu erkennen und die Vorzeichen zu verstehen, die die Alterationen der Tonart festlegen. Das ist ein eigenständiges Lernfeld, langwieriger als bei einer Tabulatur oder einem Schema, was erklärt, warum die Notenschrift im klassischen Unterricht und in Zusammenhängen dominiert, in denen die Ausführung ein geschriebenes Werk originalgetreu wiedergeben muss, aber kaum genutzt wird, um schnell einen Popsong zu begleiten oder ein Instrument im informellen Rahmen zu lernen.

Die folgende Tabelle fasst zusammen, was jede der drei Notationen zeigt und was sie weglässt, nach den Kriterien, die im Musikeralltag am meisten zählen.

Keine der drei Notationen ist den beiden anderen grundsätzlich überlegen: Jede geht einen anderen Kompromiss zwischen Genauigkeit, Universalität und Erlernbarkeit ein, und die Wahl hängt ganz davon ab, was der Musiker mit dem Dokument vor sich anfangen will.

Wann was verwenden

Die Wahl zwischen diesen drei Notationen hängt vor allem vom Ziel des Musikers ab, nicht von einer Qualitätsrangfolge zwischen ihnen. Die Tabulatur eignet sich, wenn das Ziel ist, eine bestimmte, von jemand anderem gespielte Passage Note für Note und Griff für Griff nachzuspielen: ein Riff, ein Intro, ein Solo oder eine Basslinie so zu lernen, wie sie aufgenommen wurde, unterstützt durch die Techniksymbole, die die Zahlen oft begleiten. Es ist die Notation der Wahl, wenn die Frage lautet „wie genau hat diese Person diese Passage gespielt".

Ein Akkordschema eignet sich, wenn das Ziel ist, mit bereits vorhandenem Theoriewissen zu begleiten oder zu improvisieren: sich selbst begleitend singen, in einer Band spielen, einem Song am Klavier oder auf der Ukulele folgen, ohne wissen zu müssen, welche genaue Form ein anderer Musiker auf einer Referenzaufnahme benutzt hat. Es ist außerdem die Notation, die am besten von einem Instrument zum anderen und von einer Tonart zur anderen reist, was sie zum Standardformat für Begleitung im weiteren Sinne macht — der Leitfaden zum Aufbau einer Basslinie aus einem Schema zeigt im Detail, wie ein Bassist insbesondere aus dieser rein harmonischen Information einen spielbaren Part macht.

Die Notenschrift schließlich eignet sich, wenn die Interpretation einem geschriebenen Werk bis ins kleinste rhythmische und melodische Detail treu bleiben muss: klassische Musik, Orchester, ein Ensemble, in dem jeder Musiker an einer exakten Stelle im Zeitverlauf einen präzisen Part spielen muss, oder jeder strukturierte Unterrichtszusammenhang, in dem das Notenlesen selbst Teil des Lernziels ist. Sie ist auch die einzige der drei Notationen, die lesbar bleibt, ohne den Song vorher schon zu kennen: Ein Schema oder eine Tabulatur setzen oft voraus, den Song bereits gehört zu haben, um auszufüllen, was sie offenlassen, während eine gut geschriebene Partitur theoretisch für sich allein steht.

In der Praxis wechselt ein vielseitiger Musiker je nach Situation tatsächlich zwischen allen dreien: eine Tabulatur, um eine bestimmte Passage nach Gehör und mit den Fingern zu lernen, ein Schema, um einen neuen Song mit der Band schnell zu begleiten, eine Notenschrift, wenn die rhythmische Genauigkeit des Geschriebenen vor allem anderen zählt.

Grenzen und Fallstricke der Tabulatur

Die Tabulatur bleibt trotz allem eine Notation von uneinheitlicher Verlässlichkeit, aus Gründen, die ebenso mit ihrer Geschichte wie mit ihrem Format selbst zu tun haben. Zunächst bedeutet das nahezu vollständige Fehlen verlässlicher Rhythmusangaben in einer klassischen Text-Tabulatur, dass sie das Hören nie vollständig ersetzt: Ohne die Melodie des Stücks bereits zu kennen, ist es unmöglich zu wissen, in welchem Tempo die aufgereihten Zahlen zu spielen sind oder wo genau jede Pause zu setzen ist. Die Tabulatur dient als Wegweiser für die Finger, nicht als Ersatz für das Ohr.

Weiter bleibt ein großer Teil der heute online verfügbaren Tabulaturen das direkte Erbe einer Gemeinschaftstradition, die in den 1990er-Jahren auf Foren und Amateurarchiven entstand, statt redaktioneller, von Fachleuten geprüfter Arbeit. Dieser Ursprung zeigt sich noch in der sehr uneinheitlichen Qualität von Quelle zu Quelle: Zwei Tabulaturen desselben Stücks, veröffentlicht von zwei verschiedenen Beitragenden, können unterschiedliche Positionen für dieselben Noten vorschlagen oder sogar echte Übertragungsfehler enthalten, ohne dass eine zentrale Autorität entscheidet, welche dem Originaltondokument am treuesten ist. Manche Plattformen haben inzwischen Systeme sogenannter „offizieller" Tabulaturen eingeführt, von Verlagen geprüft, aber der Großteil des verfügbaren Bestands beruht weiterhin auf demselben kollaborativen und uneinheitlichen Prinzip wie zu Beginn.

Ein letzter Fallstrick liegt in der Verwechslung der Formate selbst. Weil eine Tabulatur auf den ersten flüchtigen Blick manchmal wie eine vereinfachte Notenzeile aussieht, suchen manche Anfänger instinktiv nach Rhythmusinformationen in den Zahlen, die dort schlicht nicht stehen, obwohl sie tatsächlich auf einer echten Partitur zu finden wären. Vorab zu wissen, was eine Tabulatur zeigen kann und was nicht, erspart diese Enttäuschung und ermutigt dazu, immer die Referenzaufnahme zu hören, statt sich allein auf Papier oder Bildschirm zu verlassen.

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